Conoces a esta persona: Pedro Giovanni Robes Londoño; favor de decirle se comunique a este correo beth_zz@hotmail.com

Lo esta buscando una vieja amiga.... gracias

La película "La soga" es dirigida por  Alfred Hitchcock en el año de 1948, es la primera película a color, a su vez es una adaptación de una obra de teatro, esta película esta rodada en plano secuencia, la cual hace un efecto teatral, sus actores principales en un solo escenario en un apartamento de New York. La fuerza de esta película son los diálogos ya que en ellos se basa en la construcción de un cuento de misterios.

 La historia se basa en dos amigos Brandon y Phillip estrangula a un compañero de facultad por el solo hecho de sentirse superiores intelectualmente, son excepcionales, ocultan el cadáver en un baúl sobre el cual servirán la cena a que están invitados los padres y amigos del muchacho asesinado. Cuando inicial una conversación sobre cómo cometer el "asesinato perfecto", su antiguo profesor empieza a sospechar que allí pasa algo. Antes de que la velada concluya, el profesor habrá descubierto la brutalidad empleada por sus alumnos para convertir sus teorías académicas en una realidad.

La película define con claridad el rol de los personajes en el caso de Brandon el típico joven brillante e intelectual, con superioridad hacia los demás, ese ego que lo hace ser el fuerte, pero sin dejar ese toque de psicópata.

En cambio el personaje de Phillip es un muchacho débil que vive a la sombra de Brandon sin tomar sus propias decisiones, es manipulado por Brandon a su antojo. Haciéndolo cómplice de su a fechoría.

El personaje del profesor juega un papel importante ya que el descubre la misteriosa desaparición del joven David, haciendo caer en la desesperación a los dos personajes principales Brandon y Phillip, jugando con sus mentes para lograr saber hasta donde llegaron. Psicológicamente dialoga con ellos por separado, hasta llegar a desesperar a Phillip ya que es el más débil de los dos y con copas encimas logra sacarlo de sus casillas. En cambio con Brando es más astuto  y sarcástico, el profesor narra los hecho del crimen de los dos.

Los padres y amigos de David, son personajes que solo ayudan al drama en que sea mas misteriosa, al igual la sirvienta que sin saber de lo que ha ocurrido se mueve en el zona del crimen dándole ese enfoque misterioso de lo que se oculta en ese baúl, por el momento es convertido en el centro de atención del espectador. Es un elemento fundamental muy bien manejado por el director ya que dentro del baúl se encuentra el cadáver, le da un toque de psicótico y enfermizo.

Otro de los elementos es la soga, que a la vez juega un papel importante ya que con esa soga es asesinado David. A su vez con esa misma soga, Brandon le entrega unos libros amarrados  al padre de David, con un descaro de mostrar  el arma que le quito la vida a su hijo, sin saber el padre, acepta los libros.  La soga por lo cual lleva el nombre la película, es el elemento principal.

 La película "El Ciudadano Kane" es dirigida y protagonizada por el estadounidense Orson Welles  realizada en el año de 1941. El tema central de la película El Ciudadano Kane es sobre la reflexión de la condición humana de como el anhelo de las cosas perdidas y la necesidad de los valores.

La historia de la película se desarrolla con la narración del personaje el gran magnate de la prensa amarillista llamado Charles  Kane quien lo represento fue el actor Orson Welles.

Charles Kane, un hombre que por las circunstancias de la vida es obliga desde niño a ser criado en la riqueza, rodeado de lujos  crece sin el amor de su madre que es lo que mas extraña. Este personaje se vuelve frio, que piensa que por comprar todo lo que le plazca podrá recompensar ese cariño que le fue arrebatado de su madre. Es un multimillonario que en un desenfrenado afán de poder, termina viejo, frustrado y solitario encerrado en su mansión Xanadu, descubre que el dinero no lo es todo y no puede comprar con su dinero el amor.

Al inicio de la película muestran al personaje que fallece, acompañado de sus sirvientes, en su gran mansión antes de morir Charles Kane pronuncia su última palabra "Rosebud". La prensa se entera de la última palabra del gran magnate y deciden averiguar el significado, así que un periodista comienza una investigación con las personas que vivieron y trabajaron al lado de Charles Kane. En las entrevista que aparecen con cada persona, recuerdan de cómo fue su vivencia al lado del millonario, pero no es suficiente sus narraciones ya que no aportan el misterio de esa palabra Rosebud.

En cuestión técnica la película de Welles no inventa nada pero usa todos los recursos en las técnicas de realización de su producción, ya que manejara todos los planos, los movimientos de cámara, la profundidad de campo, la iluminación, duración de tomas, continuidad de escenas.

 La película tiene movimientos de cámaras, uso de grúas, como dollys y travellings, a la vez diferentes planos. También el desarrollo de luces y sombras, que le da un toque dramático, por ejemplo en las escenas donde están en el castillo Xanadu, la enorme mansión en la que Charles Kane pasa sus últimos años las sombras son usadas para hacer ver que las habitaciones del castillo son más grandes de lo que parecen, ya que el manejo de luces y sombras dan grandes angulares.

Otro manejo de cámara se puede observar en la película son las contrapicadas; en la escena cuando Charles Kane esta hablando con su mejor amigo Leland sobre la crítica en los periódicos de su segunda esposa Susan Alexander, Orson Welles hace una toma contrapicadas en el personaje ya que este tipo de tomas da una sensación de aumento de altura y fortaleza del personaje.

Los movimientos de la cámara siempre están justificados y adquieren valor expresivo por ejemplo, en la escena cuando las bailarinas y charles Kane baila con ellas se observa el movimiento de cámara de un travelling.

Además de los movimientos y planos de cámara es importante mencionar de los decorados, mobiliario y vestuario del exigente nivel de la ambientación particularmente del castillo Xanadu y los abundantes recursos a efectos especiales como máscaras, maquetas o fondos animados para conseguirla. El director tiene controlado cada detalle de las escenas  cada una tiene en su particular una relevancia.

 La película Zelig esta tratada  como documental falso, lo interesante es como van narrando cronológicamente de acuerdo al tiempo y al espacio del personaje principal, llamado  Leonard Zelig que es interpretado por el actor Woody Allen quien maneja un  humor irónico en lo  particular en el aspecto visual.

El documental falso esta abordado en la década de 1920, pasando por la Segunda Guerra Mundial, junto con  la depresión económica en Estados Unidos. Lo interesante de la película es la manera de cómo representan la vida de Zelig de una forma burlona a la vez contiene una critica social, manejando el humor negro, llegando a ridiculizar la sociedad americana

El personaje de Zelig  pasa por pruebas de todo tipo, para analizar la razón por el cual Zelig se la pasa cambiando de apariencia. Otro de los personajes claves es la  Doctora Eudora Fletcher llega a descubrir en Zelig un extremo caso de inseguridad que lleva a éste a camuflarse entre las personas, adaptando su apariencia para poder ser aceptado ante los demás, la doctora Eudora clasifica a  Zelig como un camaleón, por la capacidad sobrenatural de cambiar su apariencia adaptándose al medio en el que se desenvuelve.  En ese aspecto del auto nombramiento de camaleón, lo abordan en la exageración en el consumo de productos todo relacionado con el camaleón. Como si fuera una sensación o estrella de cine, que sacan productos con el nombre en este caso el camaleón, la sociedad adopta y cree todo lo que sale referente al tema del personaje de Zelig. En la película sale una secuencia de escenas donde se ve con claridad el alto consumo social de publicidad barata.

 Lo que mas me gusto de la película fue la manera en el cual abordan a los medios de comunicación, dándole un toque burlón pero  se refleja la realidad, como los medios de comunicación logran captar al público con una noticia sensacionalista ya que utilizan al personaje de Zelig como un títere de circo. Hay escenas donde aparecen los medios de comunicación grabando a Zelig,  fotografiándolo, mostrándolo como el gran descubrimiento de un experimento, fue así como el mundo conoció al personaje de Zelig como un camaleón que esta en constante cambio emocionalmente y físicamente.

 Los medios de comunicación cumplen con su papel social de informar con verdad a la ciudadanía de todo lo que acontece en diversos ámbitos de la sociedad, de manera que todos sin excepción estemos bien informados, en realidad no es así, se ve claramente en la película de Zeling, como los medios de comunicación pueden manipular la información y la hacen a su manera para tener beneficios propios.

 El personaje principal llega aparecer con personajes reales, como Adolf Hitler, mediante imágenes superpuestas. En cuestión técnica esta bien lograda en la presentación de una película vieja, le dieron ese efecto de antiguo, donde se  recrea  en la época que se dieron esos hechos históricos. 

Lo interesante de la película el director, el guionista es Woody Allen a la vez actúa en la misma película, esto hace un gran esfuerzo para la producción. La actriz principal es Mia Farrow quien personifica a la Dra. Eudora Fletcher.                                             

La fotografía  estuvo  a cargo de Gordon Willis quien es considerado en tener un estilo propio en tomar fotografías de poca iluminación con ese toque de un tono oscuro.

La cámara y los movimientos de la misma son parte esencial del vocabulario que se utilizaba en aquella época del cine. El vestuario, las locaciones, la estructura de los planos, son fundamentales en la estética visual en esta película. La música es de Dick Hyman quien se caracteriza por tocar todos los estilos del jazz.

 El personaje principal Zelig desde su infancia lo muestran como una persona tímida y que es manipulado con facilidad, pero después el personaje toma un giro se muestra con una personalidad segura sin titubear con lo que platica, al inicio de la película el personaje dice que ha leído a Movi Dick, según el personaje eso hace impresionar a las personas y poder tener una conversación y poder ser aceptado, es ahí donde inicia su estado camaleónico. 

 En cambio  la Dra. Eudora Fletcher, muestran ser una persona dedicada a su carrera,  solo le interesa el tema de la investigación de Zelig, ella ayuda a Zelig a encontrar el factor principal el cual el cambia constantemente emocional y físicamente.

La Dra. Eudora Fletcher aparenta ser una mujer educada, recta, su forma de vestir muy conservadora. Los dos personajes son opuestos, pero casi al final de la película los personajes terminan involucrándose sentimentalmente.  

La película "El bueno, el malo y el feo",  dirigida por italiano Sergio Leone, es considerada una de las máximas películas; fue realizada  en España el año  1966.

El factor más importante es el estilo de la narración el director Leone transforma  el Spaghetti Western es un particular subgénero de los Westerns que estuvo de moda en las décadas de los años '60 y '70,  se caracteriza por una estética sucia a la vez que estilizada, y por los personajes aparentemente carentes de moral, rudos y duros.

En este análisis se presenta el drama de la película, a la vez se hace una breve descripción de los personajes principales, junto con los detalles que salen en la película. Por ultimo, se analiza la cuestión técnica que utilizo el director para la realización del filme ejemplificando con escenas.

La historia  trata de un par de estafadores se dedican a timar a las autoridades. El personaje del feo alias el Tuco es perseguido por numerosos crímenes,  es atrapado y entregado a la justicia por un caza recompensas. El personaje del bueno conocido como el Rubio, su cómplice de fechorías, quien lo libera de la horca a último momento para huir y repartirse el botín. Pero una serie de mutuas traiciones y desventuras los llevan a cruzarse en el camino con Bill Carson, un soldado confederado malherido. Antes de morir, les dice a ambos dónde se encuentra escondido un botín de 200.000 dólares en monedas de oro. El problema es que uno de los criminales conoce el paradero un cementerio  y el otro sabe en qué tumba se encuentra enterrado el oro. Mientras tanto, un corrupto sargento de la Unión es el personaje del malo conocido como Ojos de Ángel se encuentra tras la pista de Carson. Y no pasara mucho tiempo antes de que sus caminos se crucen en el trayecto hacia el botín escondido, finalmente un duelo en triángulo en el círculo central empedrado del cementerio.

Los rasgos muy particulares que hacen notable al film, en primer lugar, todos los personajes son grises en distintas tonalidades. No hay héroes sino villanos de mayor y menor. Tuco y el Rubio son estafadores, cínicos y crueles, que se ven mejores que el  personaje del malo Ojos de Ángel, que representa una fuerza totalmente siniestra que solo le interesa el mismo, aprovecharse de los demás.

El nombre de la película hace referencia a cada uno de los personajes predeterminando desde el inicio quien es el bueno, el malo y el feo. Los tres personajes tienen su característica en particular, como el Turco es el sudoroso mexicano,  siempre esta sucio,  desalineado, con barba, despreocupado de su apariencia, no tiene modales su manera de hablar es muy torpe siempre esta gritando, siempre esta fanfarroneando,  sus rasgos físicos es desfavorable, carece de belleza,  es por ello se le nombra el feo.

El bueno es limpio, viste de manera sencilla pero siempre arreglado, portando su sombrero de vaquero, por lo regular fumando, tiene un aspecto de forastero, su manera de hablar es sensata, sus rasgos físicos son más sutiles, es por ello que se le nombra el rubio por ser blanco y de cabello rubio.

El malo un hombre que porta un uniforme del ejercito, que carece de bondad, de cualidades positivas,   de moral, lleva una mala vida, solo le interesa el poder y el dinero. A pesar que sus ojos son de color metafóricamente como el de un ángel, pero eso  no lo hace ver como gente buena ya que siempre sus intenciones son malas, es por ello se le nombra ojos de ángel, pero sigue teniendo intenciones malas.  

Son personajes rastreros que se traicionan constantemente una y otra vez, desconfiados, pero a pesar de eso a pesar de quererse matar uno al otro entre el bueno y el feo, terminan colaborando juntos aunque el  Turco siempre está viendo la manera de traicionar al rubio. Los dos están juntos por conveniencia  para recuperar el oro enterrado.

En cuestión técnica hay numerosos primeros planos, los personajes se encuentran en pose casi todo el tiempo, a la vez hay tomas de planos generales realmente largos y estilizados

Por ejemplo, la escena inicial con el malo, alias ojos de Ángel, en silencio, parado en la puerta. Otro de los planos generales son panoramas  una de ellas cuando el bueno y el feo están en el desierto montando a caballo.

En varios momentos la película llega a caer en la exageración por ejemplo en la escena de los callones, es repetitiva llegando a un punto de tomas de más, ya que son varias veces que se muestran  tomas de planos de  disparos de los callones en el momento que está el  ejército contraatacando. Al igual manera casi al final de la película cuando los tres personajes el bueno, el malo y el feo están en el cementerio forman un triangulo, para retarse a duelo y obtener la piedra que está en el centro con el nombre de la tumba.  En ese lapso al igual hay una exageración de tomas, se entiende el punto que quiso llegar el director con el suspenso de lo que sucederá pero se excede en más de 6 minutos con esa toma.

El toque de suspenso lo conjuga con  la extraordinaria música de fondo de Ennio Morricone, ya que después de que hay disparos se hace escuchar la música

En la película hay cierta alteración del espacio y tiempo, ejemplo Tuco y el Rubio vuelan el puente, se agachan para protegerse de la explosión, y en dos minutos las fuerzas militares se aniquilan mutuamente; o cuando Tuco huye de los cañonazos de el Rubio y aparece súbitamente en la escena del cementerio, se supone que debería haber resultado visible desde lejos.

Pasando otra perspectiva que toma la película se ve el factor de  la violencia, que resulta bastante gráfica, como por ejemplo en la escena de la golpiza a Tuco en el cuartel de la Unión. Otra de las escenas cuando Turco está tomando una ducha en la tina, llega otro personaje a quererse vengar de el, pero turco lo sorprende disparándole con una escopeta, la manera de cómo lo hace y a la vez de los 4 disparos que le da.

Cada uno de los personajes tiene su manera de obtener lo que quieren para sobrevivir su forma de vida.

Los objetos que se muestra en la película y que es fundamental para que sea realmente una película del oeste se caracterizan por los sombreros tejanos, pistolas, chalecos, caballos, desierto, calle. A la vez la soga comúnmente la utilizaban para ahorcar a personas que eran condenadas por corromper  la ley. En tres ocasiones se mostró en la película cuando amarraban al personaje el Turco con una soga para intentar ahorcarlo. Cada detalle son características del Western.     

 La adaptación del musical Sweeney Todd es de 3 horas de duración, requirió algunos cambios para lograr convertirse en una película con duración máxima de 2 horas. Es por ello que algunas canciones fueron cambiadas perdiendo algunos versos originales, mientras que otras fueron descartadas para el filme. Lo que me gusto de la película, es la manera en como los personajes narran el pasado utilizando una pieza musical. Utilizaron un buen recurso para sintetizar los hechos. Al inicio de la película el cambio de iluminación esta muy bien marcado, dejando ver los contrastes de la felicidad con luces calidas, y la tristeza con obscuridad colores opacos,  es una película sangrienta pero extraordinaria.

 La película  cuenta la vida de Benjamin Barker, un hombre que es encarcelado durante 15 años en Australia debido a una falsa acusación del juez Turpin, cuyo único objetivo es quedarse con su mujer y su hija. Tras cumplir condena, Barker regresa para buscar a su familia. Es entonces cuando descubre que su mujer se ha suicidado después de que Turpin quisiera aprovecharse de ella, pero su hija sigue con vida. Comienza su venganza, contra aquellos que estuvieron involucrados en su desgracia, para ello contará con la ayuda de Mrs. Lovett. La película muestra un alto contenido de corrupción y el maltrato hacia las personas, sin tener derechos y se marca las diferentes clases sociales. A la vez en aquella época eran muy comunes los vendedores charlatanes que solo se aprovechaban de la gente, vendiendo productos malos. En el caso específico donde aparece un barbero que se hace pasar como el mejor barbero de Londres que ha recorriendo diferentes partes del mundo, ofreciendo sus servicios. Sale un niño como su ayudante, que lo obliga a servirle,  dándole un maltrato físico y psicológico.

El director de la película es Tim Burton quien se caracteriza por realizar películas en lo particular fantasía gótica, con una calidad de producción bastante buena. En cuestión de aspectos técnicos es excepcional ya que la secuencia de escenas lo maneja bien. Los diferentes planos generales donde deja ver las grandes escenografías en su mayoría de ellas son ficticios con ayuda de la tecnología. Se hacen notar en las escenas de Sweeney Todd y la señora Lovett cuando ella hecha andar su imaginación, y se ve realizada una vida junto con el señor Sweeney Todd. La iluminación es el punto clave de la película donde se deja ver con claridad el estilo gótico

El diseño del vestuario, es bastante acertado, junto con el maquillaje es intencionalmente exagerado, dándole ese toque gótico maravilloso  que todo eso hacen un buen conjunto. La película presenta a los personajes igual como en el musical, el Sweeney Todd el hombre que al principio lo presenta como el mas feliz junto con su familia, pero al paso del tiempo se convierte en un suicida en serie que solo tiene sed de venganza. Sin sentimientos ni remordimientos de matar gente, llega un punto donde el personaje Sweeney Todd vive sin emociones. La señora Lovett, enamorada he idealiza una vida junto al personaje Sweeney Todd que hace todo con tal de estar con el. Quien al final de cuentas ella ayuda a Sweeney Todd a finalizar su cruda venganza. El personaje del juez Turpin, un personaje que abusa de tu poder para obtener lo que quiere. Sin piedad ni remordimientos enjuicia a personas nobles. Cada personaje con un toque de exageración

La película “La Strada” del director Federico Fellini realizada en el año de 1954. Toca el tema de la vida de los circenses muestra la manera en la cual trabajan ya que solo por unos cuantos pesos hacen espectáculo para sobrevivir.

La película se desarrolla en la historia de Gelsomina una muchacha pobre, y soñadora, es vendida por su madre a un hombre rudo llamado Zampano que se dedica hacer espectáculo, compra a la muchacha para convertirla en su asistente en los números circenses.

Galsomina es un personaje frágil, en perpetuo estado de asombro, su comportamiento de una niña con un toque de traviesa, irreverente y astuta. Casi no habla, más bien observa y cuando habla repite lo que ya ha escuchado.

Esta siempre dispuesta a dar lo mejor de ella, aunque a la primera no salga bien, lo sigue intentando. Cuando esta ante el público se muestra como una payasita feliz que disfruta de realizar su escena. Su rostro es muy expresivo y más cuando esta en la mira de asombro, en cambio cuando vuelve a su realidad con la relación de Zampano es infeliz, pero no lo dice tiene que soportar al maltrato y desprecio que es sometida por Zampano. Ya que ella piensa que por haber sido comprada por él, tiene todo el derecho de hacer con ella lo que le plazca; Galsomina es fiel a pesar de todo.

En cambio el personaje de Zampano un hombre rudo, bárbaro que solo hace un acto circense de romper cadenas con su pecho, sin gran talento va por las calles al lado de Galsomina haciendo un espectáculo mediocre. Un hombre sin sentimientos, solo le interesa ganar dinero para después gastarlo en borracheras y en placeres. A pesar que el personaje de Galsomina le tiene un gran afecto y fidelidad a Zampano, el no le corresponde su cariño, no le interesa en lo absoluto los sentimientos de Galsomina

El titulo de la película en italiano La Strada, traducida al español La carretera, es donde se muestra por los caminos que van recorriendo los personajes principales, se trasladan en una motocicleta, una vida de nomadas en busca de pueblos para presentar su espectáculo para ganar dinero y poder sobrevivir.

Sin duda alguna la película contiene un grado de melancolía, crueldad por la vida de solitarios de los personajes principales.

La película “El Acorazado Potemkin” del director Sergio Eisenstein donde se muestra claramente el dramatismo, a la vez en el lenguaje visual en comparación de la película “Tiempos Modernos” de Charles Champlin que lo maneja con humor. Las dos películas son mudas pero lo que tienen en común es la música, la que hace que las películas tomen un giro importante.

La película “El Acorazado Potemkin” maneja con mayor precisión la musicalización ya que se muestra en planos dramáticos que se igualan con la música. El director en su mayoría maneja planos medios, donde muestra los rostros expresivos de los personajes. A la vez la cámara hace tomas inclinadas y con trapicadas donde resulta un efecto de sensación distinta a la que se relata. Lo interesante de la película el director no maneja movimiento de cámara, en toda la película son solo planos, donde captura el dramatismo visual, se ayuda con los planos de detalle, donde resalta las partes del cuerpo o objetos como en la magnifica escena de Las escaleras de Odesa; es la escena con mayor duración y dramatismo resaltado en conjunto con la música.

Otro de los aspectos importantes es el argumento que maneja el director Eisenstein, ya que en su película muestra hechos reales de la fuerte crítica de la explotación en aquel tiempo con los marineros ya que ellos representan la magnificación por la figura de las masas y las causas colectivas.